In Then Again, Karen Trask presented a new series of collages created from lithographs printed years ago. Complimentary to the series is a large boat constructed of dictionary covers and pages.

Then Again offers a glimpse of a reflexive conversation, with the landscape, the past and with words themselves. How much is it me that is changing and how much is it my environment that is changing? As a young artist, lithography and papermaking were my primary focus. The lithographs of these collages were resurrected from a pile set aside for recycling. Many already torn or crumpled offered a new perspective and vital starting point for the collages.

Paper and papermaking and their connection to words are an ongoing focus. I am fascinated by the power, poetry, rhythm and the constant presence of words and text in our environment. Paper in my work is a metaphor for silence – a foundation for sound, a support for text. The blank space of paper dominates the collages.

The same can be said of Interior Passage, a sculpture of dictionaries in the form of a boat – the prow of a wreck run aground. Come apart at the seams, its pages twist in long seaweed-like cords. The recycling bin is where I retrieved my first dictionary, beginning a long project of spinning text pages into threads. Originally, I thought this work was about language and the inability of a book to contain it. It is that, but it is also much more. It speaks of the end of an era, the end of the dictionary as a physical object.

A dictionary can never contain a language. It is only ever a skeleton to begin with, a shipwreck of words in a language that has already moved on. A book is not the language, like a recipe is not the meal, not the cooking, nor the eating.

Words are everywhere a river we swim in. This work is about transformation.

Karen Trask, 2024

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L’exposition Then Again, de Karen Trask, présente une nouvelle série de collages créés à partir de lithographies imprimées il y a plusieurs années ainsi qu’une sculpture qui prend la forme d’un grand bateau construit à partir de couvertures et de pages de dictionnaires.

Then Again résulte d’un échange intime entre moi, le paysage, le passé et les mots eux-mêmes. Je me demande si c’est moi qui change ou si ce n’est pas mon environnement qui se transforme. Jeune artiste, j’ai développé une pratique en lithographie et fabriqué mon propre papier. J’ai voulu redonner vie à certaines lithographies après les avoir extirpées d’une pile destinée au recyclage. Ce regard neuf porté sur d’anciens travaux, déchirés et froissés, fut déterminant dans la création de cette nouvelle série de collages.

Je m’intéresse depuis longtemps au papier, à sa fabrication et à sa relation aux mots. Je suis fascinée par le pouvoir des mots et leur poésie, par le rythme et l’omniprésence des mots dans l’environnement. Ici, tout l’espace vierge du papier qui domine les collages m’apparaît comme la métaphore du silence – un espace pour accueillir le son, un support pour le texte.

Interior Passage est une sculpture en forme de bateau qui représente la proue d’une épave échouée. Je l’ai fabriquée à partir de dictionnaires dont les couvertures se défont et dont les pages s’enroulent en de longs filaments telles des algues. C’est après avoir récupéré mon premier dictionnaire dans un bac à recyclage que j’ai commencé un long travail de filage à partir de pages de texte. J’ai d’abord pensé que ce travail portait sur le langage et l’impuissance du livre à le contenir. Mais c’est beaucoup plus que cela. La sculpture évoque la fin d’une époque, la fin du dictionnaire en tant qu’objet physique.

Un dictionnaire ne peut contenir toute une langue. Il n’en est jamais qu’une ossature, une suite de mots échoués écrits dans une langue qui a déjà évolué.
Tout comme la recette n’est pas le plat, ni sa préparation, ni sa dégustation, un livre n’est pas la langue.

Les mots sont partout autour de nous, telle une rivière dans laquelle nous nageons. Au fond, ce travail porte sur la transformation.

Karen Trask & Don Goodes, 2024 (Traduction : Francine Lalonde)

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There’s an island where time stands still. Where the life of flowers, trees and beasts is murky. The sea is silent. Everything is frozen, mired in a thick syrup-like substance. As soon as you land on the beach, your name, your history, and your past are lost. You dissolve into the flesh of the island.

The idea of such a place can be unnerving. Sometimes, I tell myself that you made a boat so you can go there – a boat made of old dictionaries that you’ve picked apart carefully, like dissecting a carcass. With ritual-like precision, you attached the covers to the hull, forcing the cardboard to bend, matching the arc of the boat.

To serve as moorings, you made ropes with the torn-out pages. They look like veins slipping through your fingers. From the studio, you cannot see what the ocean hides. But, you dream that by throwing these ropes into the water, all you hold dear will tangle like seaweed and with open arms, you can gather everything in.

You know this will not happen. You know that as soon as you take to the sea, the ropes will absorb water and slowly seep into the boat. Waterlogged, the skin of the hull will soften and dissolve leaving a frame, as bare as a whale’s skeleton. Initially, this upset you, but that has passed. Now your gestures are sweeping and gentle. You spin and weave, even if for nothing, even if no one ever sees the boat or its ropes or your dreams. There is a certain relief in admitting that everything eventually falls apart, and that in this dissolution, something new can be born. You capture a moment of transition; the point where what is tangible fades away, where memory and oblivion merge.

Céline Huyghebaert, 2024 (Translation from French: Karen Trask)

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Il existe quelque part une île où le temps s’étire tellement qu’il semble arrêté. La vie des fleurs, des arbres, des bêtes est impalpable. La mer est silencieuse. Tout est figé, pris dans une matière épaisse et douce comme du sirop. Quand on accoste sur la plage, on perd son nom, son histoire, son passé. On se dissout dans la chair de l’île.
L’idée d’un tel endroit peut faire peur. Parfois je me dis que c’est pour t’y rendre que tu construis ton bateau. Un bateau fait de vieux dictionnaires que tu désosses méticuleusement comme on dépèce une carcasse. Tu fixes les couvertures sur la coque avec une précision presque rituelle en forçant le carton à se courber pour qu’il épouse l’arc des couples en bois.

Avec les pages, tu files des cordes qui te serviront d’amarrage. On dirait des veines que tu fais glisser sous tes doigts. De l’atelier, tu ne vois rien de ce que l’océan cache. Mais tu rêves qu’en y plongeant ses cordages, toutes les choses auxquelles tu tiens s’y emmêlent comme des algues. Alors tu n’auras plus qu’à tirer et ouvrir grand les bras pour les ramasser.

Tu sais que ça n’arrivera pas. Tu le sais. Au moment où tu prendras la mer, l’eau remontera le long des cordes pour s’infiltrer dans le bateau. La peau détrempée de la coque s’amollira jusqu’à se dissoudre, laissant l’armature nue comme le squelette d’une baleine. Cette idée t’a longtemps mise en colère. Mais la colère est passée. Maintenant, tes gestes se font amples, légers. Tu tisses, même si c’est pour rien, même si c’est pour que personne ne voie jamais ni le bateau, ni les cordes, ni tes rêves. Il y a un certain soulagement à admettre que tout finit par se désagréger. Et que, dans cette dissolution, quelque chose de nouveau peut naître. Tu captures ce moment de transition, ce point où le tangible s’efface, où l’oubli et la mémoire se confondent.

Céline Huyghebaert, 2024

– La maison de la culture de Côte-des-Neiges est heureuse de vous inviter au vernissage de l’exposition Papiers altérés / Papeles alterados, réunissant les oeuvres de 10 artistes de Montréal et de Bogota et dont le commissariat est assuré par Claudia Bernal et Oscar Cerón. L’exposition sera présentée du 25 avril au 2 juin 2013.

Papier Altérés/Papeles Alterados est une exposition qui a pris forme à travers l’échange et la collaboration entre Claudia Bernal, artiste et directrice artistique de La Couverture magique productions (Montréal), et Oscar Cerón, artiste et directeur de la ATGallery (Bogota). Cette exposition prétend créer un lieu de rencontre et d’échange entre des créateurs contemporains dont les origines sont ancrées dans des latitudes aussi différentes que le Canada et la Colombie, mais qui sont liés par l’utilisation d’un même matériau : le papier. Dans cette exposition multidisciplinaire, les propositions ne restent pas au niveau purement formel, les oeuvres des artistes, rassemblées ici pour la première fois, abordent des sujets aussi variés que l’identité, la violence, l’existence, le corps, le temps et la communication.

Lorsque l’on fait référence au papier en tant que matériau artistique, on évoque souvent sa surface, sa capacité à recevoir d’autres matériaux, comme l’encre, l’aquarelle, la peinture ou les traces de crayon. Le papier possède toutefois des qualités extraordinaires qui font de lui un matériau à part entière. Les approches artistiques sont multiples. Les oeuvres de papier prennent des formes inusitées et nous surprennent, mais surtout nous révèlent les préoccupations d’artistes de différentes générations qui vivent et créent dans des territoires artistiques et géographiques distincts. Le papier est un matériau versatile : il est léger, accessible, on peut le récupérer facilement, le transporter sans beaucoup d’inconvénients. Chez la plupart des artistes réunis ici, le papier est un matériau essentiel autour duquel se sont développés des démarches artistiques originales et des processus créateurs d’envergure.

Le papier est transformé par le geste de l’artiste. Il est sculpté, froissé, tissé, plié, lacéré, découpé, maculé, imbibé, illuminé, brûlé, collé, piqué, cousu, enduit, écorché, perforé, associé à d’autres matériaux, eux aussi très variés : fibres, bois, sons, images vidéographiques ou autres . Les oeuvres présentées dans cette exposition témoignent non seulement de la simplicité du matériau, mais aussi de son pouvoir de transformation et de sa force évocatrice.

Also showed at Muséon, Galerie l’UDCAm Bogota, Colombie

Where do words come from? The image of a woman blowing on a dandelion seed has been part of the cover design of The Larousse Dictionary for many years. Since I was a child, I have imagined words and letters waiting to be spoken or written, hovering like fish in an ocean or birds in a current of air.

My creative process has developed as a series of poetic investigations exploring ideas and experiences through language. Creating links to early textile-arts technologies (spinning, weaving, papermaking) through playing with word meanings, book structures and narrative formats are all part of my approach to making art. Repetitive, circular rhythms, touch and transformation are strategies and processes I use to examine themes of absence, memory and time. I want to touch words; I want to touch the space between words.

Inside Passage presents a ball, a boat and a map of the world: three sculptural works made from tiny bits of paper and a hundred or so dictionaries. The ball installed at hand level and available for holding is made of a paper thread spun from all the pages of one complete dictionary, Le Petit Larousse Illustré 1973. An assortment of dictionary covers bolted together outline the prow of a boat. Its cargo composed of long strands of dictionary pages spun into paper threads spill out onto the gallery floor. Tiny bits of paper and printed letters from various scripts and alphabets are collaged together to form two maps of the world, one the continents, the other the oceans.

Although often imprecise and regularly insufficient, words remain a principle tool of communication and an indispensable aid for navigating a world undergoing rapid change. Constant change is also the nature of language and it is this ephemeral, transient nature that I find so fascinating.

Where the Words Go brings together a series of sculptures, two-dimensional works and a video, which dissect and reassemble language and text in novel and unexpected ways. For example, one of the sculptures was created from spun paper pages from dictionaries.

Where the Words Go

Where do words come from? Could letters of the alphabet be seeds for planting? The image of a woman blowing on a dandelion seed has been part of the cover design of The Larousse Dictionary for many years. Since I was a child, I have sensed words and letters existing like a river or a current of air floating all around me.

In Où vont les mots, hundreds of dictionaries have been dismantled and transformed into a series of sculptures and one giant mural. Their printed papers were either torn and recycled into fresh sheets of paper or reconstituted through spinning into long paper threads. A desire to subvert the power and authority of certain types of written texts and to highlight the presence of the paper used in printing these texts were the starting points for this work.

One sentence describes the objective of much of my work: I want to touch words; I want to touch the space between words. My creative process has developed as a series of poetic investigations exploring human experience through language. A love-hate relationship to the written word was born out of loss. When I was 6 years old, my mother died in a car accident. Learning to read and to write coincided with death. This marked the beginning of a dialogue with absence, that I have been exploring, breathing, falling into and ultimately searching for words to describe. Paper, normally the invisible and ignored support material is one of the materials I use to create this presence of absence. My creative process includes researching the etymological roots of words and experimenting with early textile arts technologies such as spinning and weaving. Knowing the stories behind the evolution of words such as: text, (from textus meaning textile in Latin,) to spin, (to draw out of chaos, Latin,) stitch or suture (Sanskrit, word sutra, meaning thread and narrative scriptures) is an important part of this process.

« For over 20,000 years until the industrial revolution, the textile arts were an enormous economic force belonging primarily to women. Because of the perishability of these products, much of this contribution did not find its way into history books. Before writing became the principle means of communicating and recording information, clothing and textiles provided a place for social messages. » ( E. Wayland Barber, Women’s Work) The spinning in this project is a reminder of this contribution – a remembering through the fingers

In Où vont les mots, I am creating space for my own sculptural writing.

Karen Trask, 2010

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D’où viennent les mots? Les lettres de l’alphabet pourraient-elles servir de semence? Depuis plusieurs années, la couverture du dictionnaire Larousse présente une femme soufflant sur un pissenlit en aigrettes. Enfant, je m’imaginais les mots existant comme une rivière invisible ou un courant d’air autour de moi.

Dans Où vont les mots, des centaines de dictionnaires sont démantelés et transformés en une série de sculptures ainsi qu’en une immense murale. Leurs pages imprimées sont ou bien déchirées en morceaux et recyclées en nouvelles feuilles de papier ou reconstituées en longs fils de papier par un processus de filage. Ce projet est fondé sur le désir de subvertir le pouvoir et l’autorité de certains types d’écrits et de souligner la présence du papier utilisé pour imprimer ces textes.

On peut décrire les objectifs d’une grande part de mon travail assez succinctement : je veux toucher les mots; je veux toucher l’espace entre les mots. Mon processus de création s’est élaboré par une série d’investigations poétiques explorant l’expérience humaine par le biais du langage. Le rapport d’amour-haine que j’entretiens avec les mots est né de la perte. Quand j’avais 6 ans, ma mère est morte dans un accident de voiture. Pour moi, apprendre à lire et à écrire coïncidait avec la mort. Ainsi commençait un dialogue avec l’absence, dialogue que j’explore, respire, sur lequel je trébuche, dans lequel je tombe – un dialogue pour lequel, finalement, je cherche des mots. En vue de rendre présente l’absence, j’utilise entre autres le papier – le support physique généralement oublié. Mon processus créatif fait appel à la recherche des racines étymologiques des mots et à l’expérimentation avec les anciennes technologies des arts textiles comme le filage et le tissage. Connaître l’histoire de l’évolution des mots contribue largement à ce processus; par exemple : texte (du latin textus qui signifie « textile »), filer (du bas latin filare, qui signifie « aligner, organiser en file »), suture (du mot sanscrit sutra, qui signifie à la fois « fil » et « texte sacré narratif »).

« Pendant plus de 20 000 ans et ce, jusqu’à la révolution industrielle, les arts textiles ont représenté une puissante force économique qui résidait principalement entre les mains des femmes. La nature périssable des produits de ces arts a fait en sorte que la grande part de leur contribution n’a pas été consignée dans les livres d’histoire. Avant que l’écriture ne devienne le principal mode de communication et de consignation d’information, les vêtements et le textile s’offraient comme support pour les messages sociaux » ( E. Wayland Barber, Women’s Work). Dans le présent projet, la présence du filage est un rappel de cette contribution – la mémoire au bout des doigts…

Avec Où vont les mots, je crée un espace pour mes propres écrits sculpturaux.

Karen Trask, 2010 | Traduction: François Nobert